71º Festival Internacional de Cinema de Veneza, Venice Lido, Itália 28 de agosto - 6 de setembro de 2014 Por Rossella Valdrè e Elisabetta Marchiori, Sociedade Psicanalítica Italiana Tradução em inglês por: Flora Capostagno Leia em Italiano

"A arte é subversiva porque está conectada ao inconsciente.
Quanto mais um filme é conectado ao inconsciente, mais subversivo é. Como os sonhos são ".
(David Cronenberg)

Pelo segundo ano consecutivo, os psicanalistas da Sociedade Psicanalítica Italiana (Rossella Valdrè, Elisabetta Marchiori e Massimo De Mari), que compartilham uma paixão pelo cinema e pela psicanálise, participaram da 71ª edição do Festival Internacional de Cinema de Veneza, um evento cultural de ressonância mundial , enviando um comentário "ao vivo" diário sobre os filmes vistos - com suas impressões e sensações da atmosfera geral - no site da nossa Sociedade (www.spiweb.it ).

Devemos lembrar que o cinema e a psicanálise parecem compartilhar um destino inseparável: eles nasceram juntos no final do século passado. Desde então, a magia do cinema, sua capacidade de retratar o sonho e o mundo interior dos seres humanos, têm sido objeto de particular interesse pela psicanálise. Um alimenta o outro: concordamos com Cronenberg em afirmar que o cinema, como psicanálise, é por natureza um "ato subversivo". Liberado pelo senso comum, está relacionado ao sonho: ele deve representar a realidade, mas também transfigurá-la, torná-la especial e poética através da narrativa pessoal do diretor, a face específica do ator. Devo acrescentar que, em outros festivais de cinema que sempre foram excelentes, essa atmosfera mágica é destacada pela singularidade do Lido de Veneza, uma ilha suspensa na lagoa. Uma posição "no limbo" que parece permitir às imagens um acesso mais fácil ao inconsciente.

Vamos para o Festival deste ano. Pela primeira vez, o Presidente do Júri é um músico, Alexandre Desplat, compositor francês de trilha sonora de renome internacional, que concluiu o discurso de premiação com a expressão mais francesa: Vive la musique! Viva o cinema!

Como sempre, o calendário é rico e variado, oferecendo um cenário das artes cinematográficas de todo o mundo: foram apresentados cinquenta e cinco filmes, vinte dos quais em competição, mais quatorze curtas e dezenove clássicos restaurados (dos quais o Prêmio vai para Una participação especial de Ettore Scola, Oscar de 1978 pelo melhor diretor e melhor ator). Estes últimos são mais do que mera homenagem ao passado: uma contribuição séria para o resgate de obras de arte ameaçadas pelo esquecimento, não muito diferente da restauração dos removidos operados pela psicanálise.

É impossível listar todos os filmes revisados ​​e vou me restringir ao filme de abertura, o muito apreciado Birdman de Alejandro G. Iñárritu, interpretado por Michael Keaton; Entre os dez filmes italianos dentro e fora da competição, Hungry Hearts de Saverio Costanzo, com seus atores Alba Rohrwacher e Adam Driver recebendo a Coppa Volpi como melhores atores, a saga sombria da família Anime Nere. Em seguida, o tocante biográfico homenageia dois nomes ilustres da literatura e poesia italianas, Pasolini, de Abel Ferrara, e Giacomo Leopardi, de Il giovane favoloso, de Mario Martone. Um afresco de toda a gama de emoções humanas e, portanto, profundamente próximo da visão psicanalítica: Coração com Fome e depois uma história com o esplêndido O olhar de silêncio de Joshua Oppenheimer, que expõe o subestimado genocídio indonésio e vence o Prêmio do Grande Júri (em as palavras emocionais de Tim Robbins, "uma verdadeira obra-prima"); o mal-estar da família contemporânea e de nossos filhos exibindo sua alienação (I nostri ragazzi); realidades sociopolíticas distintas (do sul da Itália em Anime Nere, Belluscone aos vários filmes orientais que receberam prêmios); as histórias de crianças e adolescentes (Terre battue, Le dernier coup de marteau, Sivas, filho de ninguém, Theeb); o universo econômico global inescrupuloso (99 Hommes), a nostalgia irredutível do drama israelense-palestino (Villa Touma, uma interpretação totalmente feminina) ou a solidão (Manglehorn).

Sérios e de qualidade são os adjetivos que distinguem a seleção de filmes deste ano: todos eles, como destacou Alexandre Desplat, escolhidos entre obras que englobam o compromisso político e social, o humanismo e a poesia.

Humanismo e poesia. “O cinema ativa a criança dentro de nós”, como disse Saverio Costanzo. Talvez o prêmio Leão de Ouro ao sueco Roy Andersson, Um pombo estava sentado em um galho refletindo sobre a existência, da mesma forma que o Leão de Prata e o russo Končaloski por As noites brancas do carteiro refletiam o desejo de privilegiar a alma poética do cinema, suas qualidades míticas dos contos de fadas, bem como destacar o drama e a miséria da humanidade. Mesmo na representação mais fiel da realidade, o cinema nunca é uma reprodução simples: é a figura poética do autor que transpõe a realidade em arte.

Gostaria de enfatizar a originalidade da iniciativa, o Tribeca Film Festival, apoiado pelo Conselho Editorial da SPIWEB e coordenado por PR Goisis, responsável pela área de cinema.  http://www.spiweb.it/index.php?option=com_content&view=categories&id=380&Itemid=449

Trata-se de uma cobertura no estilo de repórter cujo conteúdo psicanalítico está longe de ser um pedestal de poltronas e se transformar na alma viva do cinema, assumindo de todo o coração o lado efêmero do programa, a emoção e a diversão da competição, com seu aspecto indiscutivelmente regressivo (mas o cinema nunca tem uma margem regressiva?). Então, após a agitação, a análise.

Com o encerramento do Festival, como acontece no final de um processo analítico, todo filme fará o seu caminho, terá uma vida própria, parcialmente imprevisível. Como se o paciente fosse "esquecido" por seu analista e liberado para o mundo.


O vencedor do Leão de Ouro do Festival Internacional de Cinema de Veneza: um pombo sentado em um galho refletindo sobre a existência

Rossella Valdré

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"De alguma forma, parece encher minha cabeça de idéias ...
só que eu não sei exatamente o que são ”
(Lewis Carroll)

O vencedor do prêmio Leão de Ouro pelo melhor filme no 71º Festival Internacional de Cinema de Veneza é Um pombo sentado em um galho refletindo sobre a existência, a parte final da trilogia do diretor sueco Roy Andersson "sobre ser um ser humano", que inclui músicas do segundo andar (2000) e You, the living (2007). Recebendo o prêmio, Andersson disse: "Estou muito emocionado, a razão pela qual me tornei diretor é o meu amor pelo cinema italiano", citando Thieves de bicicleta de De Sica. Ele acrescentou: "Vocês italianos têm bom gosto", mesmo que exista o risco de que os italianos nunca vejam seu filme no cinema local, já que, atualmente, ele não deve ser distribuído. É uma espécie de ironia, de acordo com o desolador sentimento de frustração que atravessa os reflexos do "pombo".

O filme é composto por trinta e nove fotos estáticas, um único movimento imperceptível da câmera, comentado por títulos. Trinta e nove janelas para a condição humana. Trinta e nove quadros maravilhosamente emoldurados, dos quais emana uma luz lívida que impressiona o público com a nitidez de seus perfis, a perfeição com que as figuras são delineadas, o pano de fundo. Cada detalhe é uma necessidade, cada movimento dos personagens tem um sentido, cada linha transmitida contém estratos de mensagens diretas e indiretas que envolvem o público em um nível consciente e inconsciente. Cada cena é simultaneamente de realidade crua e cruel e, ao mesmo tempo, é abstração e metáfora. Cada tiro é saturado com humoir noir, o que força as risadas entre os dentes cerrados.

A primeira cena, que inspira o título, é sobre um homem que olha atordoado para um pombo empalhado no armário de um museu empoeirado de história natural, enquanto sua esposa o espera, perplexo. Depois: um homem morre de ataque cardíaco enquanto tenta abrir uma garrafa de vinho; Lotta mancando de Gotemburgo canta, ao som de Glory, Glory, Hallelujah, sobre grappa servida em troca de beijos; em um bar nos arredores de uma cidade afastada, o rei Carlos XII entra a cavalo com seus soldados no caminho para combater os russos e quer levar o jovem garçom para sua tenda; soldados do passado forçam um grupo de nativos dentro de um grande recipiente e passam a assá-los; uma aula de flamenco com o professor molestando um jovem estudante do sexo masculino. Esses e mais são os personagens que seguem um após o outro, indo e vindo, às vezes precedidos de títulos, nas cenas curtas de natureza teatral.

As figuras mais emblemáticas, que retornam e dão continuidade a esses fragmentos aparentemente desconectados do mundo, são dois vendedores do "setor de entretenimento". Eles parecem desalinhados, cinzentos, imperturbáveis, com rostos pálidos e inexpressivos que tentam vender para compradores improváveis ​​"presas de vampiro que caninos longos demais; a clássica bolsa para rir; e um novo produto em que realmente acreditamos, uma máscara de tio com apenas um. dente". Outro recurso recorrente é a frase dita por telefone por um ou outro dos personagens: "Estou feliz em saber que você está indo bem. Sim, eu disse, estou feliz em saber que você está indo bem". O interlocutor é o público. Somos nós que perguntamos: "Desculpe, o que você disse?", E ouvimos a resposta: "Sim, eu disse, estou feliz em saber que você está indo bem". Ao redor é total desolação.

Desse modo, Andersson cita o cabaré expressionista alemão Brecht, Beckett, Valentin, Buñuel, as pinturas de Hopper e Bruegel, a fotografia de Olaf e ele as reformula de forma cinematográfica original e rigorosa.

Durante a exibição, senti Alice através do espelho (através do espelho e do que Alice encontrou lá, Lewis Carroll, 1872), onde tudo é familiar e, ao mesmo tempo, virou de cabeça para baixo e para trás. Depois, pensei que essa associação não era tão absurda. Carroll era um gênio do absurdo e esse trabalho foi descrito como "uma bíblia do absurdo", "uma saga do inconsciente", com uma quantidade de símbolos extremamente atraentes, talvez atraentes demais para o psicanalista, como neste filme. Seu maior mérito é entrar em jogo criativo (Winnicott, 1971), em que a realidade (interna e externa) é uma produção conjunta do artista e do público, como deve acontecer no cenário analítico. Uma produção que nunca deixa de surpreender, como na "aparência de dupla visão / realidade característica da ironia" (Sacerdoti, 1987), com a qual o filme é impregnado.

Elisabetta Marchiori